Ce mois-ci encore, les abonnés de l’entreprise américaine pourront découvrir des métrages cultes tout comme de petites nouveautés exclusives au network (l’ambitieuse adaptation du roman Annihilation par le réalisateur de Ex Machina). De solides arguments pour encore rester chez soi, avant le retour prochain du printemps.
La guerre est déclarée (2011)
Sorti en 2011, La Guerre est déclarée a conquis la presse et le public. Malgré un sujet principal plutôt larmoyant, qui évoque la maladie d’un nouveau-né, le film dépasse son propos pour se focaliser sur l’impact qu’une telle épreuve peut avoir sur un couple.
Bien que le long-métrage soit autobiographique, Valérie Donzelli arrive à conserver une belle humilité. La mise en scène plutôt enlevée laisse penser à une fiction, ce qui facilite l’immersion.
Le couple que cette dernière forme avec Jeremie Elkaim (son ancien compagnon) sonne toujours juste. C’est la force qui en émane qui permet de passer aussi facilement du rire aux larmes. Menée tambour battant, cette œuvre donne la rage de vivre. Rendons tout de même à César ce qui est à César. La réussite du film, ce dernier la doit avant tout au superbe Lorenzo de George Miller, dont La guerre est déclarée est un remake officieux.
Jean de Florette & Manon des Sources (1986)
Adapté du célèbre diptyque de Marcel Pagnol, Jean de Florette et Manon des Sources sont devenus des films classiques du paysage français. Réalisés par un Claude Berri inspiré, ils retracent de façon fidèle les lignes de l’écrivain.
Ce drame provençal qui se déroule dans les années 20 est avant tout l’occasion de présenter une belle galerie de personnages. Jean de Florette hérite d’un terrain où coule une source, dans un petit village perdu dans la garrigue. Alors qu’il espère le cultiver, il attise la convoitise d’Ugolin et de son oncle Papet qui vont tout faire pour l’empêcher de mener son projet à bien. C’est ainsi que commence la tragédie mémorable.
Outre sa jolie mise en scène et la superbe musique de Jean-Claude Petit, c’est le casting de haut vol que l’on retiendra. Yves Montand, Daniel Auteuil et Gérard Depardieu se partagent la vedette avant d’être rejoints, dans l’opus suivant, par la beauté diaphane d’Emmanuelle Béart… Inoubliable.
[nextpage title=”Cinéma social”]
Les poings contre les murs (2013)
La prison fascine le public, et les films qui l’évoquent sont nombreux. Pourtant, peu d’entre eux arrivent à retranscrire l’atmosphère de la vie en cellule. C’est néanmoins le cas du long-métrage « Les Poings contre les murs », un des films chocs de l’année 2013.
Eric est un délinquant de 19 ans qui est envoyé dans une prison particulièrement difficile. En plus des surveillants et des autres détenus violents, il doit également faire face à son père, incarcéré depuis la majorité de son existence. C’est dans ce milieu particulièrement hostile qu’il va apprendre à connaître cet homme qui a réussi à survivre depuis toutes ses années. Malgré les dangers qui guettent, le jeune homme va travailler sur sa propre colère, en réalisant qu’elle est aussi sa pire ennemie.
Bien qu’il soit brutal, le film de David Mackenzie ne se complait jamais dans la violence. Ultra-réaliste, il laisse entrevoir un monde où les codes sociaux n’ont plus d’emprise sur la population. C’est pourtant au milieu de cette jungle que le personnage principal (excellent Jack O’Conell) va explorer une parentalité qu’il n’a jamais connue. Un uppercut filmique.
Looking for Eric (2009)
Tous les films de Ken Loach ont quelque chose, mais Looking For Eric a quelque chose en plus. En utilisant la forme du conte, le Britannique propose ici une vision burlesque des différentes questions sociales qui l’obsèdent.
L’occasion de découvrir l’histoire d’Eric Bishop, un postier qui frise la dépression malgré les efforts de ses collègues pour lui remonter le moral. Un soir des plus difficiles, il s’adresse au poster de son idole : Eric Cantona. Aussi incroyable que cela puisse paraître, le célèbre attaquant des Reds va lui répondre. Mieux encore, il va l’aider à reprendre sa vie en main.
Donner le second rôle à l’ex-joueur de foot semblait être un pari audacieux, mais le Marseillais s’acquitte sans peine de la tâche face à un Steve Evets parfait travailleur désabusé. Assez proche des idées du réalisateur, Cantona insuffle un véritable rythme à ce duo tragi-comique qui parvient à nous toucher en plein cœur. En résulte un film pétillant et enjoué, qui privilégie la solidarité et l’humour à la désespérance. Peut-être pas le plus grand film de son auteur, mais toujours très recommandable.
[nextpage title=”Divertissements américains”]
Spider-Man (2002)
En 2000, Bryan Singer inventait le film de super-héros moderne avec X-Men. Le film, brillant dans la construction de ses personnages, marquait néanmoins ses limites en termes de mise en scène en se montrant souvent incapable de proposer des séquences d’actions dignes de ce nom. Il aura fallu attendre 2002 et la sortie de Spider-Man pour découvrir enfin tout le potentiel d’une adaptation de comic book super héroïque sur grand écran. Réalisé par Sam Raimi (Evil Dead, Jusqu’en Enfer), le film marqua les esprits grâce à son découpage enlevé et le style proprement époustouflant de son metteur en scène. C’est bien simple, encore aujourd’hui, la trilogie du cinéaste d’Intuitions continue de faire autorité sur le genre.
Si le style de Raimi se vit transcender par la suite avec le sublime Spider-Man 2, le premier volet de l’homme-araignée peut se targuer d’avoir été le premier (et le dernier ?) à avoir parfaitement compris le matériau d’origine. En alliant sens du cadre, idées de mise en scène révolutionnaires (les plans-séquences impossibles suivant le héros qui se balade entre les buildings de la ville) et récit aussi intimiste que spectaculaire, le métrage parvenait à proposer un divertissement de haute volée capable de matérialiser à l’écran les planches de comics les plus folles imaginées dans les années 1960 par Stan Lee et Steve Dikto.
Avec son scénario évoquant métaphoriquement le passage à l’âge adulte, sa fin bien loin du happy end habituel et sa dramaturgie de tous les instants (superbe premier acte de la love story impossible entre Peter Parker et Mary Jane, début de rivalité fratricide avec Harry Osborn, figure du père maléfique et mythologique, etc), Spider-Man fit découvrir au monde entier le talent d’un Sam Raimi au sommet de son art. Bref, on pourrait revenir sur le métrage durant des heures. On vous laisse à la place le soin de redécouvrir le métre étalon des films Marvel sur le network américain, à l’heure où le genre est de plus en plus sclérosé par un non-sens narratif perturbant et des séquences d’action qui semblent générées automatiquement par ordinateur.
Mary à tout prix (1998)
En 1998, sort sur les écrans le nouveau film des frères Farrelly. Les deux hommes en ont jusqu’alors réalisé deux. Le premier, Dumb et Dumber (1994), est une comédie culte au succès retentissant mettant en scène Jim Carrey et Jeff Daniels. Le second, Kingpin (1996), fait un flop en ne rapportant que 25 millions de dollars pour un budget de 27. Mary à tout prix, dans ce contexte, permet au tandem de cinéastes de renouer avec le public.
En prenant le genre de la comédie romantique et en lui apposant un humour trash, le film des frères Farrelly parvient à proposer un film aussi drôle que sincère. Le tout servi par une narration exemplaire, sans doute la plus maîtrisée de toute leur carrière. Depuis, quelques séquences sont passées à la postérité. On se souvient notamment de celle, cocasse et lubrique, du sperme/gel dans les cheveux de Cameron Diaz. Où lorsque l’art du mauvais goût raffiné touche au sublime. Du classique à revoir en boucle.
Dark Crystal (1982)
Film de fantasy culte des années 1980, Dark Crystal est signé par les marionnettistes et réalisateurs de génie Frank Oz et Jim Henson. Le travail effectué, colossal, est, à l’écran, une merveille de poésie évoquant aussi bien Star Wars que la future trilogie du Seigneur des anneaux.
Près de 35 ans plus tard, Dark Crystal va prochainement faire l’objet d’une série sur Netflix. On ne sait pas encore si la “magie” du chef-d’oeuvre d’origine sera toujours présente mais on reste impatient de découvrir le show. En espérant avoir affaire à une réussite un minimum inspirée plutôt qu’à une oeuvre ne se nourrissant, une fois de plus, que d’une nostalgie tristement superficielle.
Hercule (1997)
Inspiré par la mythologie grecque et le personnage d’Hercule, le 35e classique d’animation des studios Disney est un film quelque peu oublié depuis sa sortie initiale en 1997. Une injustice étant donné la qualité du métrage. D’une grande inventivité visuelle, ce dernier ressemble à un cartoon fou capable de passer du drame à la comédie en une séquence.
Totalement décomplexé et réellement “fun”, on retiendra notamment du film ce passage impressionnant voyant le héros, fils de Zeus, défier l’hydre de Lerne. L’affrontement était aussi épique que terrifiant pour n’importe quel enfant découvrant les images à l’époque.
Il faut aussi se souvenir de l’un des meilleurs méchants jamais faits par Disney. En matérialisant le Dieu des Enfers, Hadès, le film pouvait compter sur un personnage ultracharismatique aux accès de colère anthologiques et purement visuels jouant sur les flammes composant le corps du protagoniste. Jouissif.
I, Robot (2004)
Inspiré par les écrits d’Isaac Asimov, et plus particulièrement par Les Robots, Les Cavernes d’acier et la célèbre nouvelle Le Robot qui rêvait, I, Robot est un film particulier et tiraillé entre plusieurs aspirations. D’un côté, le métrage se veut être un véhicule à la gloire de Will Smith.
A cette époque au sommet de sa célébrité, l’acteur ne semble pas pouvoir faire autre chose que de tourner dans des blockbusters familiaux susceptibles d’asseoir sa supériorité économique au box-office international. D’un autre côté, I, Robot est aussi le projet très ambitieux de réaliser un film de science-fiction exigeant et visionnaire puisant sa source dans une oeuvre littéraire incontournable.
De la complexité des thématiques abordées par Asimov, le métrage se contentera du strict minimum en s’imposant une vision très (trop) accessible en préférant le grand spectacle à la réflexion. Malgré tout, I, Robot, grâce au talent saisissant de son metteur en scène Alex Proyas (Dark City, The Crow) demeure un blockbuster estival d’une fluidité exemplaire et aux séquences d’actions souvent époustouflantes. Même si on rêverait de voir les fameuses trois lois de la robotique remises au goût du jour, il est impossible de ne pas reconnaître le savoir-faire de l’entreprise en matière de pur divertissement.
Annihilation (2018)
Deuxième long métrage pour Alex Garland, l’homme à l’origine des scénarios (entre autres) de Danny Boyle. On lui doit ainsi les très bons 28 jours plus tard et Sunshine en 2002 puis 2007. Le scénariste a ensuite fait ses premiers pas derrière la caméra avec l’ambitieux et singulier Ex-Machina en 2014. Un thriller de science-fiction curieusement plus intéressant dans sa mise en scène atmosphérique que dans son scénario qui traite davantage des jeux de manipulation entre ses personnages que de son sujet central, à savoir l’intelligence artificielle.
On a donc très hâte de découvrir le 12 mars prochain sur Netflix ce nouveau long métrage. En espérant qu’il ne s’agisse pas d’une nouvelle exclusivité aussi médiocre que les récents Cloverfield : Paradox et Mute. Le film aurait été vendu à la plateforme de streaming américain en raison de son profil, plus à même de séduire une niche d’amateurs de série B prometteuses que d’attirer le grand public au cinéma. Lorsque l’on connaît le roman et ses influences lovecraftiennes, on ne peut en tout cas que se montrer impatient de voir le métrage dans son intégralité.
On est très confiant sur la réussite potentielle de ce film qui devrait évoquer aussi bien le Premier Contact de Dennis Villeneuve que le Stalker de Tarkovsky.
🟣 Pour ne manquer aucune news sur le Journal du Geek, abonnez-vous sur Google Actualités. Et si vous nous adorez, on a une newsletter tous les matins.
